《教育部关于推进学校艺术教育发展的华体会官网若干意见》中明确指出，艺术教育对于立德树人具有独特而重要的作用。学校艺术教育是实施美育的最主要的途径和内容。艺术教育能够引领学生树立正确的审美观念，陶冶高尚的道德情操，培养深厚的民族情感，激发想象力和创新意识，促进学生的全面发展和健康成长。落实立德树人的根本任务，实现改进美育教学及提高学生审美和人文素养的目标，学校艺术教育承担着重要的使命和责任。本专题借鉴美英德艺术教育发展经验，以飨读者。

　　美国艺术教育

在美国，艺术教育一直是整个国家教育体系的一部分。美国的绝大部分艺术院校均属私立性质。一些州立综合性大学里，也有艺术学院，主要是培养一些专业的艺术设计人才，同时为其他学科的学生提供选修艺术课程的机会，以培养学生的创意精神和艺术素养。每所艺术院校都有自己的培养目标和特点，但共同特色是为学生提供具有启发性的学习环境和宽松自由的思想空间，以鼓励学生养成独立创造精神和批判精神。教师的教学以学生需求为中心，激发学生的潜在创造能力，培养学生用多种方法解决问题的能力，锻炼学生的表达能力。

美国绝大部分专业艺术设计院校都必须接受政府教育机构授权认可的相关专业委员会进行的定期检查、考核和审核，以决定该校能否继续有权授予学位、文凭和招收学生。此类检查每10年进行一次，过程非常专业和严格。委员会成员由来自各领域的专家组成，并按照委员会主席的指派各自独立审核，定期集中开会讨论。委员们有权提出要求，抽查任何材料，对学校艺术教育的各个层面进行评估，而校方必须积极配合，提供一切便利。检查和评估范围非常全面，也极为细致深入，其中包括师资资格、教学质量、图书资讯、课程设置、学生作品、师生考评、学术成果、仪器设备、宿舍餐厅、运动设施、行政管理、职业辅导等。这样的检查需要学校将所有的材料归档到位以备委员们随时抽查调阅。每次审核要用半年到一年时间，由各委员向委员会主席提供独立的报告，然后主席开会协调并讨论，以决定是否能够通过检查。各项指标在1~5个等级之间，其中第5级是最好的。委员会将对查出的问题提出具体的限期整改建议，然后再查。如果检查仍不能通过，该校将被临时取消学位授权资格，如再次检查还是不能通过，该校将被取消学位授权资格，并且降级。

美国的艺术设计学位分为4个类别。第一，博士学位仅覆盖艺术史、文艺批评、学术理论研究方向。第二，美术硕士学位是艺术设计领域的最高学位，一般学制为2~3年，并要求学生有毕业答辩、论文和视觉的个人展览才能毕业。第三，艺术硕士学制一般只需要1年左右，是介于美术硕士和美术学士之间的一个学位。该学位设置的初衷是帮助具有3年以上实践工作经验的美术学士提高理论水平，但现在已经取消上述限制。艺术硕士学位不是最高学位，不允许在大学授课，但学生可以通过补修课程以获取美术硕士学位。第四，美术学士学位学制为4年，由一年的大学基础教育、一年的专业基础教育和两年的专业教育组成。除此以外，美国许多两年制的社区学院也是学生接受良好教育并且节省费用的一种途径。在那里经过两年基础课学习后，学生可以转至艺术设计学院或州立大学的艺术学院，从三年级开始学习专业。美国的艺术设计院校和其他大学一样，采取学分制，宽进严出。本科学生入学申请没有视觉考试，甚至不要求提交视觉作品，主要根据综合素质考查来录取学生。当然，有优秀作品的学生有可能得到更多的奖学金。综合素质考查包括学生对将来学习艺术设计的计划、高中成绩、知情人的推荐，以及已经完成的和艺术设计有关的作品，如速写、绘画、摄影、陶艺等。

一、讲求理念

讲求理念就是强调艺术创作要有思想内容和深度，要言之有物，不能只是为了形式。艺术家要通过自己的作品来表达自己的真实诉求和感受，用视觉形象和观众交流对话，并通过这种对话把自己的理念传达给观众，与之产生共鸣。思想是一件艺术品的内在灵魂，理念是一个艺术家的精神反映，形式则是外在的表达方法，只有两者的有机结合才能赋予以一件艺术品旺盛的生命力，而具有生命力的作品才是感人的杰作。

二、强调个性

强调个性就是要突出艺术家个人思维与他人的不同。艺术家有充分的自由来表达个人独特的感受。艺术创作是人类在精神领域的思想升华，这就要求艺术家发挥个人特有的敏锐感来发掘事物的本质，然后运用自己独特的艺术语言来表达感受，创造出可见的视觉形象并以此来表达自己的真实声音——那是发自艺术家内心的、独一无二的声音。

三、注重创造

艺术创作贵在创造，尤其是首创和独创，需要艺术家用自己独特的艺术语言表达自己的思想， 从内容上和形式上都要有所突破。 艺术家最忌讳与人相似或类似。艺术家在此是高傲的，也是自律的。他们不甘平庸，痛恨“山寨”，常常为创作一件艺术品而苦思冥想，绞尽脑汁，以求自我 hth 创造。

四、推崇新异

艺术家为求自己的作品能给人以耳目一新的感觉，苦苦追求并希望抓住所处时代的新气息、新观念，并与之同步甚至领先。为此，艺术家开拓新思路，发掘新题材，运用新技术，寻找新材料，以新时代的新语言，来表达新思想和新理念。为求出新，许多艺术家纷纷转向不同于自己国家的文化汲取营养，以求嫁接，再生新果。这也成为后现代主义的一个重要特征和在艺术设计领域的具体实践及反映。

五、激发想象

激发想象就是充分制造空间以激发学生的想象力，使其举一反三并灵活处理，产生多角度的观点，发挥无限可能的探索和比较。艺术创作没有一个固定的模式，学生通过对模糊处境的处理和应对，能理清思路，找出各种可能的解决方法，以此证明自己的准确判断。提升学生的反思潜能和想象力是促使其新观念诞生的重要方法。敏感度、观察力、想象力是丰富视觉传达的手段和表现手法。有想象才会有新意，有想象才会有突破。

六、关联社会

这看起来和强调个性有矛盾，其实不然。正因为艺术家异于他类，他们对社会上发生的许多事情，除了有敏锐的感觉外，还应有丰富的语言表达方法。科学家发明新的东西造福社会，让广大民众享受高科技带来的实惠。艺术家除了能够表达人性美、自然美外，也能用自己特殊的触觉来感受社会、发现问题，并用艺术形式传递自己的看法，以引发人们和政府的关注。此类例子举不胜举，如在呼吁对艾滋病人的关注和推动政府对艾滋病治疗的研究方面，艺术家们相关领域的创作是功不可没的。在此，艺术家不仅为民众提供了大量的精神食粮，而且配制了治疗社会病症的“良药”。

　　英国艺术教育

基于对艺术教育与国家经济发展、学生创新能力、公民跨文化理解力相关性的认识，英国政府高度重视学生艺术教育的发展，不断审视、挖掘艺术教育可能对学生未来生活带来的影响，构建了政府与社会、学校密切合作，课内与课外互为补充的大中小学艺术教育体系。

一、英国大中小学衔接有序的国家艺术课程框架

2014年出台的《英国国家课程框架文件》，明确了英国小学至初中的9门基础课程——艺术与设计、公民、计算、设计与技术、外语、地理、历史、音乐和体育。除了与我国相似的音乐课外，英国没有“美术”的课程设置，取而代之的是“艺术与设计”和“设计与技术”课程。其中，“艺术与设计”课程要求学生通过知识学习与技能的体验，创造工艺设计艺术作品，教学内容涉及绘画、雕塑、平面设计、建筑、工艺、艺术史等多方面；“设计与技术”课程强调实践性，指导学生就过去和现在的设计与技术及其对生活的影响进行批判性评价，并帮助学生运用数学、科学、工程、计算机及艺术等知识设计和制作产品，以解决现实生活中的各种问题。在这样的课程中，学校根据学生不同的年龄段，与社区、企业、博物馆、文化行业有效联系与配合，在真正的动手实践中接触到绘图、模板、切割、焊接、电路等各项实际生活中需要具备的技能，了解机械、纺织、建筑等多方面的基础材料和审美特质，掌握通过计算机进行艺术设计的基本方法，学习领域涉及能源、农业、食品、建筑、园艺、时尚等多个领域。《英国国家课程框架文件》甚至将“烹饪与营养学”也作为独立的一部分纳入基础教育阶段的“艺术与设计”课程，认为烹饪是人类发挥创造力的伟大体现之一，健康的饮食和高超的烹饪技能能够让学生在当今及日后过上更好的生活。这充分反映了教育服务于生活的理念。

到了高中阶段，艺术课程成为选修，除了基础教育阶段的3门必修课程外，艺术领域进一步扩展，“艺术”（包括艺术与设计、音乐、舞蹈、戏剧、新媒体艺术）、“设计与技术”、“人文”（包括地理和历史）、“现代外语”形成四大选修领域，学校必须向学生提供以上所涉领域中的至少一类课程。如果学生提出需求，学校则应该能提供这四大领域的任一门课程。

由于在英国基础教育中艺术课程与科学、数学、语言等共同归为基础课程，具有重要的学科地位，学生在这样的艺术学习过程中，学习内容的广度、接触社会的维度、对技能掌握的深度以及将所学技术应用于生活实践的程度均可以实现逐步递进，形成大中小学衔接有序的普通学校艺术课程结构。

二、国家层面设立多类艺术教育推广与合作组织

英国文化协会（British Council）是由政府拨款的非营利组织，致力于促进英国文化、教育、国际关系的拓展和交流，承担着对外交流活动，以及包括艺术、教育在内的教育改革项目的开发和实施。英国文化协会目前在全球109个国家、200多座城市设有分部，共有7000多名员工，至今已成立81年，是根据英国皇家宪章建立的慈善机构，政府核心拨款占机构年度收入的25%。2015年，英国政府对其拨款总额为7.华体会登录81亿英镑。该协会设置了一系列艺术、教育、社会领域的项目，让世界更好地了解英国文化与创意。

英国创意文化与教育中心（CCE）是英国文化协会的下设机构，负责开发与实施艺术教育创造力培养的各类项目，与英国教育部、艺术家、学校之间存在着密切的合作关系。其现任执行长保罗·寇拉（Paul Collard）在2011年底参加在台湾中山大学举行的世界教育研究学会年会论坛接受采访时谈到，“英国政府统计，现在还在中小学念书的孩子，未来可能从事的工作有60%都还没有‘诞生’。现在成人们锻炼孩子的特定工作能力，等到他们25岁时，特定工作却可能已经消失。当代社会，科技推陈出新，知识的生产与淘汰，以10倍于过往的速度发展；媒体网络信息爆炸，价值多元而混乱……全世界在面对一个完全无法‘准备’的未来都在期待传统教育体系该如何教导下一代。因此，我们应该重新思考教育的核心和目的，发展孩子的创造能力，让他们未来有能力发明新工作。因为未来的世界不需要‘找工作’的人，但需要‘创造工作’的人。”这反应出英国教育部在培养未来合格公民方面体现出的高度责任心，是英国社会对人才创造能力培养的强烈呼吁。

创新伙伴关系项目（CP）是CCE开发并实施的的项目之一，成功地将艺术、文化和创意方法带入课堂。CCE因该项目获得2011年卡塔尔世界教育创新峰会智慧奖。此项目支持包括艺术家、表演者、建筑师、多媒体开发人员和科学家在内的创意专业人士与学校建立长期合作伙伴关系，前者作为培养学生创造性思维习惯的催化剂，如想象力、好奇心、纪律与合作、韧性等，见证了学校学生出勤率、成绩、通识教育、家长参与等各方面的有效改善，提高了学生对未来的信心，同时增强了学生的艺术潜能。2002-2011年，创新伙伴关系项目的8000多个子项目成功惠及英格兰2700所学校，并优先考虑教育弱势社区，重点帮助欠发达地区的学校寻找改革的机遇，促进教育公平，让100多万名儿童和9万名教师从中获益。另外，CCE与德国、立陶宛、挪威、韩国、巴基斯坦、新加坡等多个国家与地区广泛开展创新伙伴关系计划，主题涉及艺术类师资培训、艺术类教师交换、艺术家走近贫困地区学校等多个方面。

三、教育部拨专款为普通学校设立“艺术成就奖”

“艺术成就奖”（Artsmark Award）在英国艺术教育领域具有很大的影响力，是英国普通中小学相当看重的荣誉和奖项。该奖项分为3个级别，分别为“艺术成就”基础奖、银奖和金奖。每个奖项的有效期为3年，获得低级别奖项的学校可以在3年以内继续申报高一级别奖项。“艺术成就奖”为政府提供了一个全面考察学校开展艺术教育的评审体系，推动了学校与家庭、社会各文化组织等之间的联系。申请“艺术成就奖”的学校必须面向全体学生，给学生在音乐、舞蹈、戏剧、美术等领域提供广泛的实践机会，必须保证学生在走近艺术家和走进艺术机构开展艺术实践方面拥有足够的课内外学时。

早在十多年前，英国国家创意和素质教育咨询委员会（NACCCE）便发布了《我们的未来：创造力、文化和教育》报告。该报告指出，国家需要从课程改革、师资培训、设立“艺术成就奖”等方面着手，并于2000年9月推动创造力教育相关活动，由政府拨款来奖励成功推广艺术教育与创意教学的大中小学校。该项活动至今已经延续了15年。

四、博物馆设立艺术教育部门，为艺术课堂搭建平台

英国是最早建立博物馆的国家之一，大英博物馆是世界四大博物馆之一。早在1931年，英国教育委员会便发布了《博物馆与学校：公共博物馆与公共教育机构不断增加的合作可能性备忘录》。该备忘录展示了英国国内博物馆教育的发展状况，列举了一些国内及国外的优秀案例。1988年，英国 《国家课程》明确指出，学校课程可与博物馆教育相互连接。此后，博物馆开始配合国家课程标准“艺术与设计”课程的指标，针对不同学龄儿童分阶段制定活动手册，与学校各课程相连接，提供详实的参观指南供教师使用。新世纪以来，英国大多数的博物馆都设立博物馆教育部门，形成了博物馆与当地教育部门的常规、多样的合作模式。

以英国维多利亚和阿尔伯特博物馆为例，这家以设计艺术著称的博物馆与英国中小学“艺术与设计”课程非常契合，其官方网站上设有专门的学习板块。学习板块根据小学、中学、大学到研究生不同阶段进行纵向分类，每一阶段均罗列出该阶段学生在参观前所需达到的知识储备能力和技巧水平，并设置出学生回校后需要重点完成的作业及学习目标。不同的区域详细对应不同阶段的展品、器具和材料，以及不同年龄层次的参观者可以开展的活动范围。例如，在小学阶段的“发现区域”（Discovery Areas），儿童可以在驻馆艺术家的指导下把玩一些艺术复制品、试穿各种道具服装，学习各种搭配的技巧并相互评论；到了中学阶段，则在小学基础上更加系统和专业，添加了更多的对艺术作品原作的欣赏、对画作历史背景的了解等，要求学生从交流和讨论中获得艺术与设计的灵感。除去常规的参观学习之外，维多利亚和阿尔伯特博物馆同时开设包括陶艺、视觉艺术、游戏设计等主题的工作室，学生们可以免费参观和参与制作。并且，该馆定期为中学团体举办特色时装设计展、装置艺术展等，邀请艺术家指导学生的绘画和设计练习。

　　德国音乐教育

德国专业音乐教育始于19世纪中叶。1843年，德国第一所音乐学院由音乐家门德尔松在莱比锡建立。

目前，德国有33所独立音乐学院（24所公立性质、9所教会性质），5所附属于综合性大学的音乐学院（如明斯特大学音乐学院）、2所附属于高等艺术大学的音乐学院（如主校区位于埃森的福克旺艺术大学）。附属于大学的音乐学院采取学术理论与音乐训练相结合的教学模式。

此外，德国部分综合性大学的哲学院或人文社会科学院也设有音乐学或音乐教育学等系，如科隆大学哲学院的音乐学系。与独立音乐学院相比，此类音乐学或教育学系的教学目标及科研方向偏重于理论研究，学生必修课程较多。学生需完成学术报告，撰写论文，参加毕业考试，方可获得相应学位。

独立音乐学院则是培养音乐家的学府，师徒制气息浓厚，理论课与史学课不多，取而代之是每天数小时的专业技能练习，包括读谱、分析、排练等，定期音乐会的展演更是其中至关重要的环节。

一、公立音乐学院招生条件

德国音乐教育以体系严谨、质量优良而闻名。其公立音乐学院学费几乎全免，但招生人数有名额限制，报考难度也随之提升。对于表演类专业的考生来说，公立音乐学院的录取条件首先是基于考官对考生专业演奏技能的认可。考生需要参加“才能测试”（Eignungsprüfung），完成报考学校所要求的演奏曲目，经过至少两轮筛选，才能被择优录取。目前对于报考的学生来说，如果艺术才能得到了充分认可，则无高中毕业证也可破格入学。因此，获得高中毕业证书并不是报考的必要条件。但是，想考取综合性大学音乐学系的学生则需要高中文凭。报考音乐学院或综合性大学音乐学系的硕士研究生，需具备学士学位或同等学历，博士研究生则需具备硕士学位或同等学历。

录取本科生的常规考试科目有听力测试、乐理和主修专业科目，根据不同专业的要求，学校还会增加视唱、视奏等面试科目；非钢琴专业的表演类考生需考核钢琴演奏水平；初级音乐教育专业还有课堂教学实践等考试项目。

表演类专业的研究生入学考试只需通过本专业的“才能测试”，即只考核表演技能；理论专业研究生的入学条件则不同，譬如申请音乐学和音乐教育专业的考生，需要在申请时提供相应的材料和本科阶段成绩、个人简历、申请信、一篇个人独立撰写的音乐学（教育学）的论文习作（至少15页）等，本校该专业教授评委会基于考生所提供的材料进行审核筛选，个别情况下评委会会邀请考生进行面试以决定是否录取。

由于德国高校科研教学高度自治，不同的公立音乐学院有各自不同的规定与要求。

二、专业设置

音乐学院的专业设置基本涵盖了音乐领域相关的所有学科，如声乐、器乐、作曲、指挥、爵士乐、教堂音乐、艺术指导（艺术歌曲伴奏）、音乐教育、音乐学、音乐科技、音乐治疗、媒体传播等。下文分别以科隆音乐与舞蹈学院、科隆大学哲学院音乐学系和科隆大学人文科学院音乐教育系为例，加以说明。

（一）科隆音乐与舞蹈学院

科隆音乐与舞蹈学院成立于1850年，当时名为科隆音乐学院，2009年正式更名。该学院不仅是德国顶尖音乐院校，同时也属欧洲规模最大的音乐学院之一。除科隆主教学区之外，该学院还在亚琛和乌珀塔尔两座城市建有分校。

该学院专业设置较为全面。其中，本科阶段开设专业有管弦乐队乐器、键盘乐器、其他乐器、声乐专业、指挥、作曲、教堂音乐、爵士音乐（流行音乐），以上专业毕业生可获得音乐学士学位（Bachelor of Music）。此外，音乐教育专业的学生根据具体的学习方向可获得器乐音乐教育学士（Bachelor of Music IP）或声乐音乐教育学士（Bachelor of Music GP）或初级音乐教育学士（Bachelor of Music EMP）学位；舞蹈专业毕业生则可获得文学学士学位（Bachelor of Arts）。

该学院硕士阶段专业有声乐、古乐演奏和演唱、新音乐表演（包括乐器演奏、声乐和指挥）、爵士音乐（流行音乐）、室内乐、编曲、电子作曲、器乐作曲、声乐指导（针对钢琴专业）、钢琴新音乐表演、乐队演奏、音乐工程、乐器独奏。上述专业的学生通过4个学期的学习可获得音乐硕士学位（Master of Music）。硕士阶段的舞蹈学、音乐学和音乐教育专业学生，在完成全部课程后可获得文学硕士学位（Master of Arts）。还有专门培养中小学音乐教师的专业，该专业对学生的语言水平和理论知识要求很高。

该学院博士阶段专业有音乐教育、音乐学、舞蹈学、音乐诊疗。这4个方向的博士生在完成论文的写作和答辩后，可获得哲学博士学位（Dr. Phil.）。

（二）科隆大学哲学院音乐学系和人文科学院音乐教育系

科隆大学哲学院音乐学系和人文科学院音乐教育系的音乐学专业方向主要有历史音乐学、民族音乐学和体系音乐学3个部分。其中，音乐教育专业主要包括（中小学）音乐教师培养、美学教育等。课程有音乐教育理论与实践、音乐史和音乐文化理论、音乐教学法等，旨在培养具有实践与理论结合综合能力的音乐教师或科研工作者，同时为特殊音乐教育培养人才。音乐教育系还与艺术理论、音乐学、医疗教育等专业开展了交叉学科教育。两系均设本科、硕士和博士3个学习阶段，所获学位分别为文学学士、文学硕士和哲学博士。

三、专业授课及考核方式

（一）独立音乐学院

与综合性大学下属音乐学或教育学专业相比，音乐学院的表演实践类课程占总体课程比例较大，表演类专业更强调艺术实践和技巧的精进。表演专业通常有以下3种常见的授课类型：一对一专业课、小组授课和排练课。

表演类和理论类专业共有的授课形式有5种，分别为研讨课、集中型研讨课、宣讲课、系列讲座、交流研讨会。教育专业及与教学法相关专业，则通常设有教学实践类课程。

（二）综合性大学哲学院、人文科学院下属的音乐理论专业

综合性大学哲学院或人文科学院下属的音乐理论专业的授课方式主要有宣讲课、系列讲座、研讨课、集中型研讨课、学术讨论课等。学生除了按时上课和完成必要的学习任务之外，还需要参加不同类型的结课考试，如课堂报告、书面家庭作业、笔试和口试。

不论独立音乐学院还是附属大学的音乐学系，学生在修完并通过全部课程后，需按照学校要求完成毕业考试。表演类专业的学生通常以个人音乐会作为毕业考试；作曲专业的学生可以开个人作品音乐会，也可上交作品录音资料作为毕业考试；理论专业的学生一般以论文形式结业，通常综合性大学本科论文为30~50页，硕士论文为50~70页，博士论文为200~250页。

四、“最高演奏家文凭”的认证

除音乐学士和硕士、哲学博士学位之外，德国还有一种名为“最高演奏家文凭”（Konzertexamen/Soloklasse，KE）的特殊文凭。其学制为两年，学生致力于精研和提升表演艺术方面的能力。其特殊性体现在以下3个方面。

第一，美国的音乐博士学位（Doctor of Musical Arts，DMA）是针对音乐表演类学生在硕士毕业之后继续深造所提供的音乐博士学位，学制通常为2年。与其不同的是，德国表演（包括作曲）类专业的研究生毕业后，能够继续深造的只有“最高演奏家文凭”。可以说，其是欧洲大陆表演类专业的最高文凭。

第二，“最高演奏家文凭”在德国的考位非常少。本来德国音乐学院的考位和人数就一直受到严格的控制，而“最高演奏家文凭”入学考试的门槛设置更高。

第三，近年来，“最高演奏家文凭”入学考试越来越看重考生的专业履历，如考生以往的专业成绩、师从关系、从业历程、推荐信、业内获奖情况等都是录取的衡量标准。因此，考取的学生往往已经具备诸多获奖经历和相当高的专业水准。

总之，对表演类专业来说，“最高演奏家文凭”是德国乃至欧洲大陆音乐教育系统中的最高学历，其本身的考取难度也为该文凭增添了含金量，可与美国的DMA相媲美。但是，如果将“最高演奏家文凭”就认证为博士学位就存有些许问题。与DMA不同，其几乎不包含理论方面的课程，即学生所选修的课程远远达不到攻读DMA的课程量，只是一个强调艺术实践的学位。如果将其认证为硕士学位，或不给予英美博士学位相同的待遇，或得不到国内用人单位的相应认可，会导致留学生出于就业的实际考虑而选择留学英美，追求“音乐博士”头衔，而打消继续留德深造的愿望，这对我国音乐教育师资环境的多元发展或有不利。

本专题内容详见19期杂志，作者分别为余震谷、刘昊、陆霞

来源：世界教育信息杂志2016年第19期

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